Enseñanza
“Gastón Frydman es un profesor apasionado dedicado a guiar pianistas hacia su máximo potencial artístico y técnico. Graduado en Pedagogía del Piano y actualmente cursando un Doctorado en Artes Musicales en la Manhattan School of Music, se desempeña como profesor asistente de piano en MSM. Ha enseñado en la Bronx School for Music, Anselmo Academy, y en el Pre-College del Cleveland Institute of Music, además de dirigir masterclasses para Steinway & Sons. Su estudio privado ha logrado un crecimiento excepcional en estudiantes que van desde principiantes absolutos hasta pianistas profesionales de alto nivel”.
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“Gastón Frydman es un profesor talentoso y apasionado, dedicado al crecimiento musical y pianístico de sus estudiantes. Después de haberlo observado enseñar en varias ocasiones, estoy seguro de que sus estudiantes recibirán comentarios expertos junto con orientación artística que nutre al músico completo”. Sean Schulze DMA Decano académico asociado, profesor de piano. Instituto de música de Cleveland.
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“Estudiar con Gastón Frydman ha impactado poderosamente la perspectiva en la que veo la música. Aprendí que ser capaz de identificar las diversas emociones dentro de una pieza de música es fundamental para comprender la música. Debido a mis estudios con él, ahora sé cómo expresar mejor esas emociones. Ya sea a través de ejercicios técnicos proporcionados, enfatizando notas específicas o utilizando la fuerza física a mi favor, todas estas son cosas que me ayudaron a perfeccionar mi habilidad musical. En general, Gastón ciertamente ha dejado una huella significativa en la forma en que veo la música y en la forma en que veo el piano”. Myles Temesi Alumno de piano en el pregrado del Instituto de música de Cleveland
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Pedagogía pedagógico
Todos conocemos la infame frase “el que puede, toca. El que no puede, enseña”. Esta frase no solo es ofensiva—es doblemente incorrecta. Aquellos que no pueden tocar a un alto nivel necesariamente llevarán sus defectos a la enseñanza, y sin embargo, muchos grandes intérpretes simplemente no saben enseñar. Tomando una actividad básica como leer, sabemos cómo hacerlo, pero saber cómo lo aprendimos y enseñarle a alguien más es otra historia completamente distinta. Enseñar piano es un arte integral que requiere tanto expertise como compasión. La diferencia entre un maestro pasivo—que corrige algunos errores obvios—y uno activo—que construye estrategias a corto y largo plazo junto con el estudiante—es enorme.
Crecí soñando con ser pianista, sin entender realmente qué significaba serlo. Enseñar nunca estuvo en mis planes. Pero durante mis 20 años en este camino, tuve la gran fortuna de aprender y desarrollar en una etapa temprana algunas habilidades artísticas de las que muchos brillantes jóvenes pianistas carecen, mientras al mismo tiempo, me faltaban ciertas habilidades fundamentales que todo joven pianista debería tener. Hace unos años, mientras estudiaba en un conservatorio prestigioso, me encontré en una crisis personal y artística: estaba lesionado e incapaz de ejecutar algunas habilidades mecánicas básicas, sin embargo, algunos de los músicos que más admiraba elogiaban mi interpretación como “especial”. Mis compañeros de clase—muchos de los cuales eran técnicamente más fuertes—constantemente venían a pedirme devolución. Trabajé, pensé, y analicé sin descanso. Y mientras aprendía a ser mejor maestro para mí mismo, comencé a enseñar a algunos pianistas más jóvenes en la institución y descubrí que este enfoque autodidacta me transformó en un mejor maestro para otros también.
He aprendido cosas valiosas de cada uno de mis maestros, especialmente en asuntos de interpretación y pensamiento crítico. Pero tantas lecciones vinieron de la adversidad: descubrí los fundamentos de la técnica solo después de enfrentar el repertorio más exigente. Aprendí a practicar eficientemente cuando enfrentaba plazos imposibles. Aprendí a construir fuerza física después de una lesión, y paz mental después de momentos muy oscuros. Aprendí cómo prepararme para competiciones habiendo estado en esos escenarios sin preparación.
Bruno Gelber una vez me dijo: “Un maestro tiene que enseñarte desde do-re-mi hasta las Goldberg”. Y es cierto en el sentido más amplio. Nadie nace sabiendo cómo practicar, sin embargo, a menudo nos dejan solos en una sala de práctica sin guía real. ¿Cuántas veces nos dijeron “ve a practicar” sin explicar cómo? ¿Con qué frecuencia vemos estudiantes cometiendo los mismos errores una y otra vez, solo empeorando sus problemas? La repetición es esencial—pero solo cuando es deliberada. La práctica sin intención refuerza el fracaso.
Entonces, ¿qué deberíamos hacer? Para empezar, abandonar el pensamiento mágico. No esperes que la memoria llegue sola, o que el metrónomo (dispositivo obsoleto e incluso dañino) te haga más rápido. No repitas algo a menos que sepas por qué lo estás repitiendo. El instrumento no te dará nada que no ya tengas dentro. En cambio, creo en dos elementos fundamentales: interpretación y ejecución.
La interpretación—las ideas que llevamos en nuestras mentes—es la más difícil de desarrollar. El papel del maestro es provocar, guiar, cuestionar e inspirar sin eclipsarse nunca en el viaje artístico del estudiante. Horowitz se negó a tocar para sus estudiantes por temor a que lo copiaran—porque el verdadero arte debe seguir siendo personal. El lado de la ejecución—cómo realizamos físicamente esas ideas interiores—es más mecánico y aprendible. Sin embargo, es igualmente importante, y sin él, ningún arte puede ser comunicado. Tocar no es magia: es conocimiento aplicado, comprensión física, y claridad de intención.
Sí, uno puede descubrir estas herramientas solo—pero tomará más tiempo, y es posible que nunca las encuentre. Tchaikovsky dijo: “Me siento al piano regularmente a las nueve de la mañana y Mesdames les Muses han aprendido a estar a tiempo para ese encuentro”. Los resultados vienen más del trabajo comprometido e inteligente que de mirar las estrellas.
A nivel profesional, la proporción entre enseñanza y práctica podría ser 1:40. Entonces es responsabilidad del maestro proporcionar a los estudiantes las herramientas para el aprendizaje independiente. Eso incluye no solo interpretación musical y técnica física, sino también metacognición: la capacidad de observar, medir, y dirigir el propio progreso.
Estas herramientas son muchas: cómo aprender una pieza; cómo estructurar la práctica; cómo comunicar una idea a través del sonido; cómo dar forma a frases, elegir digitaciones, lidiar con grandes saltos, usar rotación, peso, y articulación; cómo desarrollar memoria, balance, conciencia, narrativa; cómo funcionan las articulaciones; cómo construir líneas. Pero también incluye cómo escribir un programa, hacer networking, prepararse para competiciones, hablar con audiencias, y planificar una carrera. Cuanto más grande sea la caja de herramientas, más autosuficiente será el artista.
Hubo muchas veces en que deseé menos obstáculos y más momentos dorados. Pero es precisamente por esos golpes que fui obligado a reflexionar, definir, y verbalizar los muchos elementos necesarios para convertirme en mi mejor versión. Ahora espero compartir estas herramientas—con su balance de preguntas y respuestas—con jóvenes pianistas que, como yo alguna vez, sueñan con convertirse en intérpretes sin saber aún qué significa eso realmente.